Elementi del movimento di composizione

Il movimento nell'arte può riguardare diversi concetti:

(A) Esiste il "movimento" generale come in stile e School of Art.
(B) C'è un movimento come rappresentato in un dipinto che implica il movimento fisico di un oggetto sovrapponendo le istantanee nel tempo. (Come usato nel particolare stile dei futuristi e dei vorticisti per esempio. Un esempio è il dinamismo di Giacomo Balla di un cane al guinzaglio, ora nella Galleria d'arte Albright-Knox a Buffalo, New York).
(C) Quindi c'è un movimento come parte della composizione.

Guidando l'occhio dello spettatore in un viaggio

Il movimento è la creazione di un senso di un ebb e fluisce attraverso un dipinto che lo trasforma da sfondo passivo a un'estensione dinamica della psiche dello spettatore, la creazione di una reazione interca che porta lo spettatore su un percorso di scoperta. Il movimento in questo caso è l'opposto di statico, insipido, non emotivo e poco interessante. Questo è ciò a cui siamo interessati quando parliamo di movimento come elemento di composizione nell'arte.

Quando crei movimenti in un dipinto, pensa alla coreografia del processo, a ciò che stai rivelando al pubblico, cosa viene lasciato all'immaginazione. Un dipinto dovrebbe essere una domanda, non una risposta. Chiamare all'immaginazione del pubblico consente a diversi spettatori di interagire in diversi modi, motivo per cui si consiglia di lasciare sempre qualcosa di non detto in un dipinto, per dare al pubblico la possibilità di un'interazione unica.

Il dipinto dovrebbe rivelarsi lentamente al pubblico, dovrebbe offrire angoli e fessure che conducono dal percorso principale. In altre parole, il dipinto dovrebbe essere un viaggio non la destinazione. Un dipinto che offre solo un punto di vista statico non è migliore di uno scatto per le vacanze (fornirebbe al fotografo una chiave per i loro ricordi, ma è semplicemente un'immagine arbitraria per chiunque non sia coinvolto emotivamente). L'artista dovrebbe incoraggiare lo spettatore a interagire con l'argomento, ad imparare e crescere. Il dipinto può essere un semplice aneddoto o una storia eroica, ma dovrebbe parlare allo spettatore con la gioia di una storia che viene svelata.

L'artista è un direttore, che porta l'occhio dello spettatore attraverso il dipinto usando una miriade di tecniche che danno al dipinto una sensazione di movimento, attraverso lo spazio, o il tempo o persino l'emozione. Il movimento può essere dato in un dipinto attraverso una forte immagine fondamentale, affermare il flusso di un fiume; Alla luce di un delicato sole serale, che implica il passaggio di un giorno; o attraverso l'emozione di un ritratto abbellito dal simbolismo iconico circostante, che mostra come la figura è arrivata a quella sensazione. Il movimento può anche essere ottenuto attraverso l'effetto della crescita o del decadimento. Una vivacità che infonde il soggetto e dice allo spettatore, questa è la vita.

Che cosa si può fare? Il primo punto è pensare in termini di composizione generale, dove vorresti iniziare l'occhio dello spettatore (ricorda che in Occidente lo spettatore di solito inizia nell'angolo in alto a sinistra di un dipinto, dal momento che ci viene insegnato fin dalla tenera età leggere in quel modo). Da sinistra a destra, dall'alto verso il basso è la norma, ma una composizione forte può attirare gli occhi del pubblico contro tale condizionamento.

Il movimento può essere indicato dal flusso di oggetti nel dipinto, dalla loro disposizione e motivo; attraverso l'uso della prospettiva. Il movimento può essere implicito dalla direzione che le figure facciano: una pittura passiva avrebbe una direzione raggruppata sinergica, mentre la casualità nella direzione delle figure darà una natura selvaggia e la vitalità energetica a un dipinto.

Successivamente l'artista può considerare l'uso del colore (inclusi effetti ottici come il blu che si allontana dall'occhio e si avvicinano al rosso); Brush Sticke (Mark Making può aggiungere al flusso del dipinto attraverso la loro direzione, oltre a dare una velocità al movimento attraverso la variazione delle dimensioni della corsa del pennello); il motivo della luce e dell'ombra; e il tono (che è importante per la visione periferica e quindi può allontanare l'occhio da un soggetto centrale). Prendi in considerazione il rinforzo delle principali direzioni del movimento facendo eco (ad esempio, facendo fluire le nuvole nel cielo allo stesso modo delle onde sul mare) e in bicicletta (riportando l'occhio al punto di partenza, in modo che il viaggio possa iniziare di nuovo).

Guardando il dipinto di Vincent Van Gogh Sopra, il senso più palese del movimento è nelle onde, la fila su fila di interruttori (contrassegnata come n. 1). Poi c'è la Bank of Clouds (#2), che sembra soffiare verso destra, creata sia attraverso la forma delle nuvole sia la direzione dei marchi di pennelli. La forma delle nuvole riecheggia la forma dell'onda. In primo piano le nuvole hanno gettato un'ombra (n. 3), dando la sensazione di cambiare luce nella scena. Le posture, le posizioni e le dimensioni relative delle varie figure (#4) danno il senso di alcuni più lontano da noi, camminando verso la barca. Guarda come la figura a destra (#5) sembra essere piegata, che si muove nel vento!

Tutte le piccole cose si sommano, lavorando tra loro per creare l'atmosfera generale e il senso delle cose che accadono e si muovono. Guarda come la bandiera rossa nella parte superiore dell'albero sta sbattendo nel vento (#6). Il suo colore si ripete in alcuni altri luoghi del dipinto (a partire dalla camicia che la figura nella barca indossa), lavorando a quell'altro elemento di composizione, unità. Il colore rosso si fa anche avanti dal dipinto contro il cielo blu opaco, ci dice che la barca è il centro dell'attenzione e che le figure sulla spiaggia stanno giocando la loro parte nel suo lancio. Fai una pausa per un minuto per pensare a quante informazioni letti in quel piccolo colpo di vernice: direzione del vento, forza del vento, che è ventoso (o la bandiera sarebbe inerte).

Ricorda sempre il movimento nella composizione è un'espressione del viaggio che il pubblico intraprende con te, l'artista, come guida. Anche il componente più piccolo può dare un movimento di pittura.