Segui le regole e i principi di base per creare una grande arte

All'osservatore occasionale, il mondo delle arti può sembrare inavvicinabile.

Quando si guarda un dipinto, guardando un balletto o ascoltando un concerto classico, il pubblico in generale e gli appassionati di arti avranno una risposta emotiva, ma potrebbero non capire come sono state create queste opere.

Molte persone credono che il talento, la fortuna e il genio siano responsabili di far diventare arte elevata. Mentre questi hanno sicuramente una parte, non sono l'intera storia. Sebbene possa passare inosservato agli occhi meno addestrati, tutte le arti sono sostenute da una base comune: Principi di design, che variano per disciplina.

Ai ballerini viene insegnato a esibirsi in tempo con i loro colleghi artisti, in modo che si muovano come un'unità. Pittori e altri artisti visivi imparano a manipolare elementi di prospettiva, composizione e uso di luce o ombra.

I musicisti classici studiano regole di armonia e forma musicale; Imparano a ottenere una buona intonazione e muovere i loro corpi in modi che producono il suono desiderato.

Una solida comprensione dei principi di design sottostante della tua imbarcazione è essenziale per svilupparsi in un artista sofisticato e maturo. La musica di Bach e Beethoven non esisterebbe senza la loro totale padronanza delle regole di armonia; Monet e Vermeer non sarebbero stati celebrati se non fosse per il loro completo controllo della prospettiva e l'uso della luce nei loro dipinti.

In ogni disciplina artistica, la conoscenza e il rispetto per i principi fondamentali del proprio soggetto sono instillati dai primi livelli e vengono continuamente utilizzati come base per la costruzione a livelli più avanzati di padronanza.

Sia gli studenti che i professionisti usano queste filosofie principali stabilite per informare il loro lavoro su base giornaliera, anche nelle più alte fasi della loro carriera.

Attraverso forme d'arte, la maggior parte di questi principi si riferisce ad aspetti tecnici di come si dovrebbe eseguire un particolare movimento o pennello, o dove posizionare un argomento o una nota particolare, piuttosto che a concetti estetici.

Pertanto, è facile visualizzarli in modo rigido, piuttosto che come un quadro di supporto. Eppure, man mano che avanzi nel tuo mestiere, vedi che ogni artista ha la propria interpretazione dei principi; Questo è ciò che consente a ogni opera d'arte e ogni artista di essere diverso da un altro.

Nel padroneggiare le preoccupazioni tecniche e perfezionare continuamente la tua tecnica, imparerai a manipolare le regole a modo tuo, e questo darà significato, carattere distintivo ed espressione personale al tuo lavoro. Bach, Beethoven e tutti i grandi maestri perfezionavano e poi piegano le regole; È così che diventerai anche un artista unico e memorabile.

Le arti visive come il disegno possono essere particolarmente difficili, poiché è necessario rappresentare elementi tridimensionali su una superficie bidimensionale. Ma, seguendo alcuni principi, anche come principiante, aiuterà la tua arte a essere convincente ed espressiva con meno frustrazione e sforzo. Diamo un'occhiata ad alcune delle tecniche di progettazione fondamentali che sono essenziali per chiunque disegna.

Composizione
La composizione è il layout di tutti gli elementi nel tuo disegno. Forma, linea, colore, tono e spazio fanno tutti parte di questo.

Prima di iniziare a disegnare, è meglio fare schizzi preliminari e pianificare cosa vuoi disegnare. Una volta fatto questo, la prima cosa che dovrai pensare per il tuo disegno è la forma. Dall'inizio, è necessario stabilire la forma generale (contorni) per l'intero disegno.

Dovresti iniziare a lavorare sulle forme più piccole di singoli oggetti dopo essere stato soddisfatto di aver trasmesso il contorno che desideri. Cercare di disegnare prima le forme più piccole porterà alla frustrazione; Il tuo lavoro non mancherà la definizione e non sarà così convincente come potrebbe essere. In altre parole, ignora i dettagli fino a ottenere le basi giuste!

La linea è il modo in cui guidi uno spettatore attraverso il tuo dipinto. Le linee orizzontali, come quelle nei disegni del paesaggio, di solito trasmettono un sentimento pacifico; Le linee diagonali possono aggiungere tensione. In generale, le curve danno una sensazione molto più naturale e piacevole delle linee rette; Danno anche al tuo pezzo un buon senso del movimento, quindi sembra più realistico.

Il colore, ovviamente, si occupa di quali colori usi nella tua tavolozza. Riguarda anche l'intensità: devi fare una scelta su quanto saturo (vivido) o sottile vuoi che siano i colori e se vuoi usarli per esprimere l'idea di luce o scuro.

Il tono, chiamato anche ombreggiatura o "valore" è direttamente correlato al colore. Puoi usare l'ombra per creare ombre nel tuo lavoro (come le ombre create dal sole in un paesaggio, per esempio). Ciò consentirà al tuo lavoro di sembrare tridimensionale e dare allo spettatore un senso di profondità.

Affinché la tua arte funzioni, devi anche considerare il tuo uso dello spazio.

Pensa a quanto spazio desideri tra gli elementi nel tuo disegno (noto come spazio negativo) e quanto spazio vorresti che gli oggetti nel tuo disegno riempiono (spazio positivo). Questo varierà a seconda del tipo di disegno che stai facendo.

Nell'arte occidentale, lo spazio negativo è spesso riempito di colore o addirittura ombreggiatura, ma un po 'di arte asiatica lascia lo spazio bianco e bianco della carta stessa attorno all'oggetto centrale; Anche questo può essere molto efficace.

Una cosa da ricordare, non mettere la stessa quantità di spazio negativo tra ogni elemento nel tuo pezzo: mantenere le cose interessanti, è importante variare la forma e le dimensioni dello spazio negativo.

Equilibrio e unità
L'equilibrio e l'unità sono considerati i tratti distintivi dell'arte "buona" convenzionale. Ci sono alcune regole d'oro, tutte provate dai grandi artisti, che puoi usare per trovare l'equilibrio nei tuoi pezzi.

Ma prima, alcuni suggerimenti generali che contribuiranno a semplificare la seguente regole d'oro. È importante che ci sia un'area principale di interesse e concentrazione nel tuo disegno, in modo che lo spettatore sappia cosa guardare e non è distratto da troppi piccoli elementi.

Posiziona il tuo argomento più importante leggermente fuori dal tuo lavoro per dare un bel flusso per lo spettatore e assicurati che sia rivolto al disegno, non fuori dalla tua foto.

Assicurati di non tagliare il tuo dipinto direttamente a metà, sia in verticale che in orizzontale, in quanto può sembrare meno realistico. Se stai usando una linea di orizzonte nel tuo lavoro, assicurati che non sia al centro dell'immagine: posizionarla in alto o in basso in modo che mostri più "cielo" o più "terreno", a seconda di ciò che sei disegno.

E ora, le regole d'oro. La prima regola d'oro è la regola dei terzi, ed è in realtà correlata alla stessa media d'oro. La media d'oro, o rapporto d'oro, ha guidato artisti classici per secoli. Afferma che gli elementi di un'opera d'arte dovrebbero essere posizionati in modo che ogni elemento sia in proporzione da 1 a 1.618 (circa 3 a 5) in relazione a qualsiasi altro elemento. La regola dei terzi è una versione semplificata di Golden Mean.

Per seguirlo, Dividi il disegno in una griglia di 3 colonne e righe, tutte uguali. Posiziona il tuo argomento principale e le aree più piccole di interesse vicino a una delle linee della griglia e, se puoi, mira a posizionarle all'intersezione delle righe e delle colonne della griglia. Questo creerà facilmente un equilibrio ideale nel tuo disegno, in quanto ti costringe a evitare di mettere elementi importanti in aree che taglierebbero visivamente il pezzo a metà, fermando gli occhi dello spettatore.

Come la regola dei terzi, il La regola delle probabilità si basa anche su numeri dispari. Per ottenere un disegno realistico, dovresti avere un numero dispari di soggetti nel tuo pezzo, come 1 o 3, piuttosto che un numero pari. Se hai un solo punto focale principale, Metti un numero pari di oggetti attorno a esso; In questo modo, finirai con un numero dispari di elementi nel tuo lavoro, che è generalmente più piacevole per l'occhio. Come per la regola precedente, la regola dei terzi ti aiuta a evitare di tagliare il lavoro direttamente al centro.

Per unificare il tuo lavoro, la ripetizione di alcuni elementi è la chiave. Ad esempio, potresti scegliere un simbolo o un motivo e ripeterlo in alcune aree del tuo disegno, forse in un colore diverso o in una dimensione più piccola. Questo stabilisce uno schema nel tuo pezzo e lo aiuta a avere senso per lo spettatore. È importante non abusare eccessiva, tuttavia, poiché vuoi avere anche una varietà nel tuo lavoro.

Prospettiva
Lo sviluppo della prospettiva è un'abilità fondamentale nell'arte, ed è ciò che dà al tuo lavoro un senso di profondità e distanza. Nel disegno, la prospettiva sostiene che gli oggetti si riducono mentre vanno verso lo sfondo di un'immagine, mentre gli oggetti più grandi sono in primo piano (anteriore) dell'immagine.

Prospettiva lineare e aerea sono entrambi importanti per gli artisti. La prospettiva lineare può essere divisa in una prospettiva a 1 punto, a 2 punti o a 3 punti. La prospettiva di 1 punto è il posto più semplice da iniziare. Per usarlo, hai solo bisogno di una vista e un punto fisso.

Se stai disegnando una chiesa, la tua vista sarà quello che vedi davanti a te con la testa dritto e il punto fisso può essere quello che scegli, come una statua di fronte a te. Dirigerai gli occhi dello spettatore sulla statua attraverso l'uso di due cose: un punto di fuga e una linea di orizzonte. Il punto di fuga può essere qualsiasi punto in lontananza su cui i tuoi occhi si fermano naturalmente --- in una chiesa, potrebbe essere un punto su un muro lontano.

Il tuo punto di fuga è incorporato nella tua linea dell'orizzonte, che è una linea orizzontale lunga e piatta del cielo (o terreno, quando all'interno) che si estenderà a sinistra e a destra del tuo disegno e persino fuori dalla tua foto. La prospettiva è uno strumento piuttosto complesso e assume molte forme diverse, ma queste sono le basi per stabilire una prospettiva a un punto, che dà dimensione e un aspetto naturale al tuo lavoro.

Gli elementi di disegno essenziali di composizione, equilibrio, unità e prospettiva si trovano in tutte le forme d'arte. Sebbene ballerini e musicisti avranno diverse definizioni e approcci a questi elementi rispetto agli artisti visivi, formano un nucleo comune tra tutte le discipline artistiche.

Qualunque sia il tuo campo, seguire questi principi fondamentali garantirà che il tuo lavoro sia professionale, non dilettante e che i tuoi pezzi esprimano la tua personalità e comunicano chiaramente il tuo messaggio al tuo pubblico.