Stili di pittura Sfumato e Chiaroscuro

Ci sono due stili classici di pittura associati ai vecchi maestri: sfumato e chiaroscuro. Questi due stili sono simili come il formaggio e il gesso. Ma molte persone riescono ancora a confondere queste due tecniche e quali artisti hanno fatto uso di quali di questi stili.

Sfumato e Leonardo da Vinci

Sfumato si riferisce alla sottile gradazione di tono usata per oscurare i bordi affilati e creare una sinergia tra luci e ombre in un dipinto. Come Ernst Gombrich, uno dei più famosi storici dell'arte del ventesimo secolo, spiega "[t] il suo è la famosa invenzione di Leonardo ... il contorno offuscato e i colori ammorbiditi che consentono a una forma di fondersi con un altro e lasciare sempre qualcosa alla nostra immaginazione."

Leonardo da Vinci ha usato la tecnica di sfumato con grande padronanza. Nel suo dipinto più famoso, il Monna Lisa, Questi aspetti enigmatici del suo sorriso sono stati raggiunti proprio da questo metodo e lo spettatore è lasciato a riempire i dettagli.

Come, esattamente, Leonardo ha raggiunto l'effetto di sfumato? Per il dipinto nel suo insieme, ha selezionato una serie di toni medi unificanti, in particolare i blu, i verdi e i colori della terra, che avevano livelli simili di saturazione. Evitando i colori più luminosi per i suoi luminosi, che potrebbero rompere l'unità, i toni medi hanno quindi creato un sapore sottomesso all'immagine. Leonardo da Vinci è citato dicendo "[w] se vuoi fare un ritratto, fallo con un tempo noioso, o mentre la sera cade."

Sfumato prende dipinto un palco ulteriormente. Lontano dal punto focale dell'immagine, i toni medi si fondono nell'ombra e il colore si dissipa in scure monocromatici, più o meno lo stesso dell'effetto di un'immagine fotografica con una gamma focale stretta. Sfumato fa una scelta ideale quando un ritratto sitter è imbarazzato dalle rughe.

Chiaroscuro e Rembrandt

In confronto a Leonardo da Vinci, i dipinti di Caravaggio, Correggio e Rembrandt hanno un approccio pesante alla luce e all'ombra. Il focus del dipinto è illuminato, come se fosse sotto i riflettori, mentre il campo circostante è scuro e cupo - marroni pesanti e bruciati che si fondono in nero. Questo è chiaroscuro, letteralmente "luminoso", una tecnica che è stata utilizzata con grande efficacia per creare contrasti drammatici. Rembrandt era particolarmente abile in questa tecnica.

L'effetto è stato creato utilizzando glazi successivi di marrone trasparente. Le tonalità marroni del Rinascimento erano generalmente realizzate con pigmenti di argilla, come Sienna e Umber. La siena cruda è un po 'più scura di un ocra giallo. Burtt Sienna ha una tonalità rossastra. Umber è un'argilla che è naturalmente un marrone giallastro scuro. Umber bruciato è un marrone scuro. Durante il tardo Rinascimento, alcuni artisti del Rinascimento hanno provato altri marroni come il bitume, che era a base di catrame, o bruciata Beechwood (Bistro), ma questi hanno causato problemi nei dipinti anziani a causa di residui che filtravano attraverso la tela.

È possibile creare l'effetto chiaroscuro usando smalti di umbra bruciata (o umber per una pittura più calda). Ricorda che per ritoccare i punti salienti vicino alle aree ombra scure, riscalda i colori. Aggiungi un po 'di rosso al mix per compensare l'effetto di raffreddamento dei Darks circostanti. 

Aggiornato da Lisa Marder.

Fonti:

Collins Dictionaries, "Collins English Dictionary", 7a edizione, HarperCollins UK, giugno 2015, Regno Unito

Em Gombrich, "The Story of Art", 16a edizione, Phaidon Press, aprile 1995, NY

Philip Ball, "Bright Earth: The Invention of Color", Vintage Books USA, maggio 2008, NY